Рефераты. Искусство Японии






павильонами.

Традиционная японская архитектура в целом достигла своего наивысшего

уровня развития уже в XIII веке. В период политической нестабильности,

приходящейся на XIV-XVI века, условия для развития искусства архитектуры

были крайне неблагоприятны. В XVII веке японская архитектура повторила свои

лучшие достижения, а кое в чем и превзошла их.

ЖИВОПИСЬ

Специалисты уже давно обратили внимание на то, что искусство живописи

в странах Дальнего Востока генетически связано с искусством каллиграфии. В

Японии, в частности, существует понятие единства каллиграфических и

живописных принципов. Соответственно в японской живописи, как и в

китайской, издавна большую роль играет линия и распространены монохромные

картины. Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не

следует преувеличивать. Характерно, например, что во времена японского

средневековья довольно долго основным течением в живописи было суйбокуга.

Произведения в стиле суйбокуга создавались тушью, при этом показывалась

игра света и тени на предметах, но отсутствовали контурные линии.

Развитию японской живописи способствовали контакты с континентом,

откуда в начале VII века было позаимствовано искусство изготовления красок,

бумаги и туши.

Большое значение для судеб японской живописи, равно как и скульптуры,

имело распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской

культовой практики создавали определенный спрос на произведения этих видов

искусства. Так, с X века с целью распространения среди верующих знаний о

событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так

называемые эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на которых

изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею

притч.

Японская живопись в VII веке была весьма еще проста и безыскусна.

Представления о ней дают росписи на ковчеге Тамамуси из храма Хорюдзи,

отображавшие те же сцены, которые воспроизводились на эмакимоно. Росписи

выполнены красной, зеленой и желтой краской на черном фоне. Некоторые

росписи на стенах храмов, относящиеся к VII веку, имеют много общего с

аналогичными росписями в Индии.

По мере дальнейшего распространения буддизма возник массовый спрос на

культовые изображения. В связи с этим профессия художника стала очень

распространенной, причем уже в VII веке среди мастеров, занятых созданием

картин, развивалась даже специализация: одни делали общий набросок рисунка,

другие раскрашивали его, третьи обводили контуры.

Рисунки на полотнищах эмакимоно в VII-VIII веках имели весьма простой,

близкий к символическому характер, изображениям не хватало динамики. Однако

с течением времени художественное качество рисунков эмакимоно возросло, и

лучшие из них весьма выразительны и совершенны.

С VIII века в Японии начинается развитие жанровой и пейзажной

живописи. До наших дней дошла ширма под условным названием “Женщина с

птичьими перьями”. На ширме изображена женщина, стоящая под деревом, волосы

и кимоно ее украшены перьями. Рисунок исполнен легкими, струящимися

линиями.

Для буддийской живописи с IX века характерными являются изображения

мандалы, что на санскрите означает алтарь. При создании мандал

использовались дорогостоящие материалы. Например, “Такао мандала”,

хранящаяся в монастыре Дзингодзи, написана золотом и серебром на плотном

фиолетовом шелке.

Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером

тематики, над которой они преимущественно работали (буддийская живопись),

находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле, или

стиле кара-э. Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э

стали появляться светские по тематике картины в японском стиле, или стиле

ямато-э (живопись Ямато). В Х—XII веках стиль ямато-э стал господствующим в

живописи, хотя произведения сугубо религиозного характера все еще писались

в китайском стиле. В этот период получила распространение техника нанесения

контуров рисунка мельчайшей золотой фольгой.

В XI—XII веках появилось много выдающихся по технике исполнения

произведений чисто светской живописи, включая портретную. Многие художники-

профессионалы создавали картины только на светские темы, такие картины

изображали и на складных ширмах и сёдзи.

Одним из образцов исторической живописи эпохи Камакура является

знаменитый свиток XIII века “Хэйдзи-моногатари”, на котором запечатлено

восстание, поднятое в 1159 г. главой крупного самурайского клана Ёситомо

Минамото. Как и миниатюры в древнерусских летописях, свитки, подобные

“Хэйдзи-моногатари”, являются не только выдающимися памятниками искусства,

но и историческими свидетельствами. Соединяя текст и изображение, они

воспроизводили по горячим следам бурные события княжеских усобиц второй

половины XII века, воспевали военные подвиги и высокие моральные качества

вышедшего на арену истории нового военно-дворянского сословия — самураев.

О художественных достоинствах исторических самурайских эмакимоно

(свитков) указанного времени можно судить по фрагменту из “Хэйдзи-

моногатари” с изображением одного из эпизодов войны — “Битвы у Рокухара”.

При яростном динамизме сцены и яркости ее художественного решения не

устаешь удивляться степени проработанности отдельных деталей. А ведь это

лишь один из фрагментов свитка! Выразительны лица захлебнувшегося в крике,

атакующего всадника с огромным луком в руках и мечом на поясе и бегущего

справа от него пехотинца. Отлично выписана черная лошадиная голова на

переднем плане. Более условны, почти как маски театра. Но, напряженные лица

самураев на заднем плане. Но и они поданы в броске, в движении. Развеваются

красные ленты за шлемом бегущего слева воина с колчаном стрел за плечами,

напряженно прижат к груди локоть его левой руки. Мастерство художника в

передаче движения, жеста не может не вызвать восхищения. И при этом —

свободное владение всем многообразием цветовых оттенков, профессиональная

точность в воспроизведении деталей самурайских доспехов, оружия, конской

сбруи.

С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись,

картины на складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы

аристократов, дома горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль

декоративных панно — дами-э. Такие панно писали сочными красками на золотой

фольге.

Признаком высокого уровня развития живописи является существование в

конце XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку. Сога,

Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся картины, созданные в этот период, принадлежат

не только известным живописцам, но и оставшимся безвестными мастерам.

В течение XVII—XIX веков исчезает ряд некогда прославленных школ, но

их место занимают новые, такие, как школа гравюры на дереве укиё-э, школы

Маруяма-Сидзе, Нанга, европейской живописи, а также школа, ратовавшая за

возрождение в живописи стиля ямато-э, т. е. старого японского стиля.

Центрами культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулось в

Японии практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара

и Киото новая столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др.

Расцвет специфической городской культуры и сопутствующих видов искусства

определил основное направление развития японского искусства в XVII—XIX

веках. При этом подверглись изменению как формы “бытования” искусства, так

и его общественная функция. Высочайшего уровня достигла также гравюра на

дереве, ставшая в XVIII—XIX веках главных видом японского искусства.

Вообще искусство эпохи Эдо (1615—1868) характеризуется особым

демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги горожан —

третьего сословия) и сочетанием художественного и функционального. Примером

такого сочетания является живопись на ширмах. Ширма — вещь, имеющая точное

функциональное назначение в интерьере японского жилища, предмет быта.

Одновременно это — картина, произведение искусства, определяющее

эмоциональный тонус жилища, предмет эстетического созерцания. Именно на

парных ширмах написаны “Красные и белые цветы сливы” — самое значительное и

знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина

(1658—1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только

японской, но и мировой живописи.

Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э. В свое

время, в прошлом столетии, Европа, а затем и Россия именно через гравюру

впервые познакомились с феноменом японского искусства. Между тем в самой

Японии гравюру на дереве первоначально вообще не считали искусством, таким,

как живопись на ширмах или на свитках. Возникшая на стыке искусства и

ремесла, японская гравюра действительно имела все признаки массовой

культуры — тираж, доступность, дешевизну. Не случайно ее так и назвали —

“укиё-э” (слово “укиё” означает в переводе темное, мирское, обиходное”).

Мастера укиё-э добивались максимальной простоты и доходчивости как в выборе

сюжетов, так и в их воплощении. Сюжетами гравюр были в основном жанровые

сценки из повседневной жизни города и его обитателей: торговцев, артистов,

гейш.

Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула целый ряд

первоклассных мастеров. Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с

именем Хисикава Моронобу (1618—1694). Первым мастерам многоцветной гравюры

был Судзуки Харунобу, творивший в середине XVIII века. Главные мотивы его

творчества — лирические сцены с преимущественным вниманием не к действию, а

к передаче чувств и настроений: нежности, грусти, любви. Подобно древнему

изысканному искусству эпохи Хэйан, мастера укиё-э возрождали в новой

городской среде своеобразный культ утонченной женской красоты, с той только

разницей, что вместо гордых хэйанских аристократок героинями гравюр стали

изящные гейши из увеселительных кварталов Эдо. Художник Утамаро (1753—1806)

представляет собой, может бьть, уникальный в истории мировой живописи

пример мастера, безраздельно посвятившего свое творчество изображению

женщин — в разных жизненных обстоятельствах, в разнообразных позах и

туалетах. Одна из лучших его работ — “Гейша Осама” находится в Москве, в

Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Необыкновенно тонко

передано художником единство жеста и настроения, освещения и выражения

лица.

Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика

Хокусая (17СО—1849). Ему свойственны неизвестные ранее в японском искусстве

полнота охвата жизни, интерес ко всем ее сторонам — от случайной уличной

сцены до величественных явлений природы. Творческая судьба Хокусая

необычна. Плодовитейший мастер, — ему принадлежит свыше 30 тысяч гравюр и

рисунков, более 500 иллюстрированных книг, — он обрел творческую

индивидуальность лишь в преклонном возрасте, накопив за долгую жизнь

великое множество знаний, навыков, умений, достигнув подлинной мудрости в

видении мира и человека. В возрасте 70 лет Хокусай создает свою самую

знаменитую серию гравюр “36 видов Фудзи”, за нею последовали серии “Мосты”,

“Большие цветы”, “Путешествия по водопадам страны”, альбом “100 видов

Фудзи”. Каждая гравюра — ценный памятник живописного искусства, а серии в

целом дают глубокую, своеобразную концепцию бытия, мироздания, места

человека в нем, традиционную в лучшем смысле слова, т. е. укорененную в

тысячелетней истории японского художественного мышления, и совершенно

новаторскую, временами дерзкую, по средствам исполнения.

Блистательно возродив пейзажный жанр, давший в средние века такие

шедевры, как “Зимний пейзаж” Сэссю, Хокусай вывел его из канона

средневековья прямо в художественную практику XIX—XX веков, оказав и

оказывая влияние не только на французских импрессионистов и

постимпрессионистов (Ван-Гога, Гогена, Матисса), но и на русских художников

“Мира искусства” и другие, уже современные нам школы.

Искусство цветной гравюры укиё-э явилось в целом прекрасным итогом ,и,

может быть, даже своеобразным завершением неповторимых путей японского

изобразительного творчества.

СКУЛЬПТУРА

Распространение в стране буддизма способствовало развитию в Японии

искусства скульптуры, поскольку отправление буддийских культов требовало

скульптурного изображения будд, бодисатв и т. п. Однако буддизм же в

определенной мере и сковывал это развитие, ибо единственным объектом

изображения первоначально был Будда, причем, как известно, буддийские

художники при его изображении вынуждены были считаться с весьма строгими

предписаниями относительно того, как, в каких позах, при каком расположении

рук, ног, туловища и каким именно образом он должен быть изображен.

В период Асука, т. е. после 650 г., уже существовало много изображений

Будды. В 650 г. выдающийся мастер этой эпохи Ямагути-но Атаногути по

приказу императора создал композицию "Тысяча будд".

Одной из наиболее древних статуй является статуя Будды в храме

Гангодзи, сделанная скульптором Тори Буси в начале VII века. Будда

изображен стоя. Высота фигуры 5 м. Известны изображения Будд из бронзы.

Например, скульптура триады Сяка в Золотом храме ансамбля Хорюдзи. Однако

преобладающая часть буддийских скульптур выполнялась из дерева.

К числу памятников раннебуддийской скульптуры, восходящих к

импортированным, прежде всего, корейским образцам, но уже явно отмеченных

своеобразием японского гения. относится статуя Гусэ Каннон из храма Юмэдоно

(дословно "Павильон сновидений") в монастыре Хорюдзи. Фигура богини

выполнена из одного куска камфорного дерева. Искусствоведы считают, что это

деревянная копия бронзовой статуи, покрытая позже тонким листовым золотом.

Каннон - так называли японцы бодисатву Авалокитешва-ру. В Японии этот

образ слился с образом женского божества, выражающего идею материнской

любви, милосердия, милости ко всему живущему.

Скульптура в Японии продолжала свое развитие и в период Нара, когда

ранний японский абсолютизм достиг расцвета (примерно вторая половина VII

в.). Скульптуры этого периода характеризуются уже большей творческой

свободой мастера, а лучшие отличаются пластичностью и правильностью в

передаче пропорций человеческого тела. Прекрасными образцами искусства того

периода являются голова Будды в храме Ямададэра и триада Якуси в храме

Якусидзи. Как и в других буддийских странах, в Японии периода Нара

создаются огромные скульптурные изображения будд и бодисатв, расположенные

вне помещений. Например, 18-метровая скульптура бодисатвы Мироку в храме

Дайандзи. В целом буддийская скульптура в Японии достигла в период Нара

уровня лучших образцов скульптуры других буддийских стран.

В поздний период Нара (VIII в.) была построена группа ведущих храмов,

что потребовало большого количества скульптур. В изображениях будд в этот

период отмечается более строгое следование канону. Вместе с тем буддийская

скульптура стала более разнообразной. Начала развиваться и портретная

скульптура. Характеризуя особенности реализма в японской скульптуре того

периода, академик Н. И. Конрад писал: "Скульптура наделена живым

человеческим лицом; но важна не столько точная передача внешних черт

портретируемого, сколько внутреннее выражение средневекового портрета.

Выражение же может быть реалистическим, если оно соответствует внутренней

природе изображаемого персонажа. Персонажи в данном случае - святые,

подвижники, проповедники; подлинное в них - именно то, что делает их

святыми, подвижниками, проповедниками. Вот эту истинную - для данного

случая - реальность, выраженную в человеческом облике, и демонстрируют

статуи эпохи Тэмпё (2-я и 3-я трети VIII в.). Для современного наблюдателя

это - скульптурные портреты очень разных людей с выразительными лицами,

порою нервными, чуть ли не издерганными, порою исполненными величавого

покоя, сосредоточенности, глубокого раздумья. А рядом с ними - то, с чем

они, эти святые, воевали, ради чего, во имя чего боролись. Воевали они со

злом, и вот оно - в образе ужасного демона. Боролись за добро, и вот оно -

в образе светлого божества".

Мы видим сосредоточенность и отрешенность в лице и в позе достигшего

неба на земле монаха Гандзина, основателя монастыря Тосёдайдзи (VIII в.);

благость и умиротворенность - в опущенных веках и молитвенно сложенных

ладонях Гэкко-босацу из храма Тодайдзи; яростную мощь и энергию, постоянную

напряженную готовность отразить удар, волю к сокрушению зла - в

экспрессивной фигуре стража Синконгосин из того же храма.

Скульптуры в период Нара создавались из глины, дерева, глины и дерева,

сухого лака без основы, металлов, камня. Одной из наиболее древних

скульптур, дошедших до нас и выполненных из дерева и глины, является

скульптура Конгорики-си - божества, охраняющего буддийское учение,

созданная, как предполагается, около 711 г. Скульптуры из сухого лака также

порой достигали внушительной величины - до 3 м. В конце периода Нара

глиняная скульптура начала исчезать, деревянная же продолжала развиваться.

Об искусстве японских скульпторов периода Нара косвенно свидетельствует

наличие особых мастерских для изготовления будд. Мастерские эти подчинялись

особому учреждению - приказу по строительству храмов Тодайдзи. В приказе

были объединены художники, резчики по дереву, скульпторы, мастера по лаку,

Страницы: 1, 2, 3



2012 © Все права защищены
При использовании материалов активная ссылка на источник обязательна.